Avanços do Jazz: da Modernidade à "Morte"

Anos 30 e ínicio dos anos 40 - Duke Ellington : Swing - Os primeiros espamos de Modernidade

Duke Ellington foi um dos primeiros grandes nomes do jazz a integrar o rol dos mestres modernos que se tornaram influências definitivas para todas as gerações subsequentes. Mestre na composição, nos arranjos e no piano, Duke já era considerado moderno mesmo nos anos 30, um gênio à frente da sua época. Numa época onde o jazz era totalmente impulsionado pelos apelos comerciais do cinema, do rádio e era essencialmente um entretenimento das elites nova-iorquinas, Duke se destacou por compôr prezando sempre a complexidade: ele escreveu alguns dos mais melodiosos temas de jazz da história, foi pioneiro por inserir o formato da suite sinfônica no jazz -- vide obras como Black Brown and Beige --, foi um dos maiores gênios do arranjo e da harmonia da história e um dos maiores bandleaderes que já se conheceu. Sua sensibilidade como compositor era tão aguçada, que ele detinha a capacidade de escrever para todos os instumentos de sua orquestra como se estivesse escrevendo um concerto para cada um deles, juntanto-os depois num arranjo coeso e brilhante, cheio de melodias lindas, efeitos de surdina, sobreposição de vozes e outros efeitos sonoros que evocam tanto a influencia urbana -- com seus barulhos de carros e trens -- como o lamento afro-americano. Conclusão: Duke Ellington, mesmo sendo da época onde o jazz era basicamente dança, se tornou uma influência definitiva para todas as gerações de pianistas, bandleaders, compositores e arranjadores que surgiriam nas décadas posteriores.

Anos 40 - Charlie Parker & Dizzy Gillespie: Bebop - a grande modernidade por pequenas formações

 Nasce o chamado Jazz Moderno: Charlie Parker e Dizzy Gillespie foram os dois jovens que, recém-desempregado das suas sua respectivas orquestras, passaram a se encontrar nos spots do Harlem para participar das famosas jam sessions. As formações eram pequenas e lá duelavam entre sí, modificavam e improvisavam sobre temas já manjados e acabavam por inventar outros temas que logo formariam os standards desse novo estilo chamado Bebop. Os beboppers experimentaram diversos tipos de formações até encontrar o famoso padrão trompete+sax+piano+contrabaixo+bateria, com o qual cada instrumento teria uma maior liberdade para solar e improvisar. O pré-requisito para o estilo era ser um virtuose de mão cheia , ou seja, ser dotado de um ligeiro fraseado: tal músico que tivesse essas características e fosse excelente improvisador, esse seria um vencedor dos duelos de solos. Charlie Parker e Dizzy Gillespie foram os criadores da técnica Bebop em seus respectivos instrumentos: todos queriam improvisar e frasear tão rápido quanto eles. Ainda considerando os outros instrumentos, podemos destacar, além de Bird e Dizzy, outros grandes responsáveis para o surgimento do Bebop: Papa Jo Jones e Kenny Clarke seriam pioneiros que configuraram a linguagem Bebop para a bateria, vindo em seguida evoluir em jovens como Art Blakey e Max Roach alguns anos depois. O piano teria dois grandes representantes: Bud Powell, o grande responsável por definir o estilo pianístico da época e Thelonious Monk, um pianista que por ter estilo muito peculiar ficou esquecido como um dos grandes "pais" do novo estilo com o decorrer dos anos. Assim, dos anos 40 com o descobrimento do Bebop até hoje, tudo no jazz nada mais é do que uma variação do moderno estilo Bop, diferindo apenas em algumas características que foram aderidas ao estilo ao longo da história.

Final dos anos 40/ Começo dos anos 50 - Lennie Tristano, Miles Davis, Gil Evans, Chet Baker, Gerry Mulligan : Cool Jazz & West Coast - A predominância dos "brancos".

Não se sabe ao certo quem foi o primeiro músico que cunhou a expressão "Cool" no cenário do jazz. Mas sabe-se que já em 1947 os discos Cool Breeze de Dizzy Gillespie e Cool Blues de Charlie Parker firmavam a palavra como um termo que caracterizava o estilo mais calmo que de tocar jazz, ou seja, o estilo mais lírico, mais "cabeça fria", mais "sossegado", já que o Bebop era um estilo por demais afoito e virtuoso. Esse estilo já vinha sendo percebido nos solos de Lester Young alguns anos antes: o veterano saxtenoriza prezava as frases mais líricas, mais lentas, trabalhando mais em torno do timbre do que das frases. Foi com esse mesmo intuíto de polemizar em torno da velocidade exarcebada do bebop é que surge em Nova Iorque, em meados dos anos 40, um pianista cego com "idéias malucas": seu nome era Lennie Tristano. Suas idéias consistia em unir o jazz com aspectos da música erudita ocidental e trabalhar novas texturas sonoras mais dissociadas do aspectos africanos ou da velocidade estrutural, reformulando, assim, o Bebop que na sua visão tinha se tornado um estilo de muitas notas e pouca música. As idéias de Lennie Tristano eram tão avançadas para a época que ele foi capaz de prever a união entre o jazz e a Música Erudita Contemporânea, ou seja, Tristano, em seus comentários, já previa o encontro do jazz com elementos da vanguarda ocidental: como o atonalismo, que seria uma das bases do Free Jazz ( ou Jazz Avant-Garde) no final dos anos 60. Em suas composições, em seus conjuntos e em todas as suas concepções Lennie Tristano dispunha de vários elementos para fugir dos clichês dos beboppers: ele usava harmonias mais complexas e obrigava seus bateristas a usar mais a escovinha do que as baquetas para se obter um som mais "cool" e menos africano. Posteriormente, ele se concentrou mais na carreira de professor do que de líder de banda, dirigindo uma influente e moderna escola de onde saíram inúmeros grandes músicos como Sal Mosca, Billy Bauer, Lee Konitz, Phill Woods, Warne Marsh dentre outros.

Ainda paralelo ao Cool, surgiu o termo West Coast Jazz (jazz da Costa Oeste). Miles Davis, um jovem visionário que procurava se cercar sempre dos melhores músicos ( dentre os quais os músicos da orquestra de Claude Thornhill, o grande reduto de bons arranjadores), foi o elemento final para a definição do Cool Jazz:. Em 1949, contribuindo com apenas duas composições, Miles lançou o disco Birth of the Cool, definindo e evidenciando o estilo. Nesse projeto, Miles apenas liderou um trabalho onde os maiores responsáveis foram Gerry Mulligan, John Lewis, John Carisi e Gil Evans ( o mais célebre arranjador de Thornhill). O projeto, aliás, começa com a irreverente Tuba Band, o conjunto apresentado por Miles em 1948 com vários músicos brancos vindos da Costa Oeste. O conjunto tinha instrumentos um tanto inusuais em formações da época: tais como a tuba a a trompa.

No início dos anos 50 o reduto chamado West Coast se tornou a grande proposta para os inúmeros músicos brancos do oeste americano. Mostrando que os "brancos também sabiam swingar", a Costa Oeste passou a ser o reduto mais reverenciado até mesmo que o cenário da grande Nova Iorque. Os músicos tinha influências diversas: desde as preferências por aspectos da música erudita ( de onde surgiu o estilo Third Stream) passando pelo Bebop até desembarcar no recente Cool Jazz. Essas prefêrências diversas dos "músicos brancos" lhes permitiram unir a música ocidental com a afro-americana se firmando, assim, como inovadores compositores e arranjadores. Tanto que alguns músicos brancos que foram trabalhar em Nova Iorque com Claude Thornhill e outros grandes bandleaders, voltaram para a Costa Oeste no início dos anos 50, já que o cenário nessa época se mostrava totalmente promissor. Alguns bons músicos e arranjadores (como Henry Mancini) foram atraídos pelo enorme mercado do cinema em Hollywood, compondo grandes musicais e trilhas sonoras para filmes da época. Outros passaram ser atrações nos grandes clubes de Los Angeles à Nova Iorque, mostrando que os brancos podiam tocar jazz como os negros: dentre esses músicos os que mais destacaram foram Dave Bubreck e Paul Desmond com o famoso quarteto, Stan Kenton com seu moderno estilo de big band, o influente baterista Shelly Manne, Gerry Mulligan e Chet Baker com o revolucionário quarteto sem piano e Stan Getz com seu melodioso sax tenor a La Lester Young. Ainda na primeira metade dos anos 50, John Lewis, um dos únicos músicos negros a integrar o time Birth of the Cool, formou o moderno Modern Jazz Quartet e Chet Baker seguiu como a grande alma do Cool e o grande "Poeta do Jazz".

Segunda metade dos anos 50 - Ar Blakey, Max Roach, Horace Silver, Miles Davis, Clifford Brown, Thelonious Monk, Bill Evans, Sonny Rollins, John Coltrane, Charles Mingus : Hard Bop - A valorização do R'n'B no jazz.

Enquanto a Costa Oeste fervia com uma troupe de grandes instrumentistas, em Nova York os músicos negros seguiam mais amenos procurando novos meios de expressão após a febre do Bebop anos ateriores. Mas o trunfo dessa época foi a integração e a evidenciação dos vários estilos afro-americanos no jazz: o gospel, o blues e a soul music, componente do novo rhythm and blues da época. Nos inicio dos anos 50,  Miles Davis, um dos músicos mais influentes da nova geração, cai no profundo vício da heroína; Charlie Parker já tinha dado a sua contribuição e seguiu fraco de saúde até a heroína o matar em 1955; Dizzy Gillespie continuava com grande sucesso, mas seguia a sua carreira com um grande revival às big bands, dessa vez unindo o jazz com rítmos afro-cubanos. Enfim, o início dos 50 foi uma época predominantemente de grandes músicos brancos do Cool e West Coast. Mas isso foi até Art Blakey, um dos "pais" da bateria moderna, formar com Kenny Dorham o grande conjunto Art Blakey's Jazz Messengers, onde surgiram uma multidão de grandes instrumentistas apartir de então. Alguns músicos que fizeram sucesso com Art Blakey nessa época foram justamente os principais responsáveis pelo aparecimento do chamado Hard Bop: podemos destacar, nesse período,os trompetistas Kenny Dorham, Clifford Brown, Lee Morgan, o saxofonista Lou Donaldson e o pianista  Horace Silver que é considerado o principal "pai" do estilo ao surgir com um elemento chamado "funky", um ingrediente que consistia na repetição de figuras rítmicas sincopadas ao piano (notado claramente em seu dedilhado de mão esquerda), imprimindo, assim, um "balanço", um swing bem característico e catalizador desse estilo de jazz associado à música afro-americana.

Em paralelo ao Art Blakey's Menssengers, Max Roach, outro "pai" da bateria moderna, surge com um revolucionário quinteto que trazia músicos de alto quilate como o saxtenoristas Harold Land, o trompetista Clifford Brown e, como grande novidade, o joevem-tubista Ray Draper. Este quinteto de Roach ainda agruparia o poderoso saxtenorista Sonny Rollins que substituiu Harold Land e o espetacular trompetista Booker Little que entrou após a morte de Clifford Brown em 1956.


Miles Davis que vinha fazendo pouco sucesso e chegou até a se afastar da grande companhia dos seus amigos junkies, se mudando de Nova Iorque, resurge das cinzas com grande categoria ao vencer o vício da heroína entre 1953. Apartir da segunda metade da década de 50 Miles, mesmo sem uma banda fixa, surge com uma série de bons álbuns de Hard Bop para o selo Prestige e marca a sua contribuição para a época. Sua determinação em montar uma banda fixa e criativa como Dave Bubreck que colocou seu quarteto no olimpo das pequenas formações, o levou a procurar por talentosos músicos apartir de então. Miles mais uma vez mostraria ser um bom "cão farejador" sempre a procura de músicos que pudessem por em prática todas as suas idéias e suas ambições. Assim, Miles encontra John Coltrane que já vinha de seu grande aprendizado com Thelonious Monk; Bil Evans, um pianista branco que, como Ahmad Jamal (o pianista preferido de Miles Davis), tinha uma grande sensibilidade e era dotado complexidade harmônica( adquirida de suas instruções com George Russel, o Pai do Jazz Modal); o baterista Philly Joe Jones, grande amigo e companheiro de Miles Davis apartir de 1954; Paul Chambers, um jovem contrabaixista que tinha uma técnica assombrosa, dominando por completo o seu instrumento ( além de ser um grande entusiasta do R'n'B); Cannonball Adderlley, um dos maiores altoístas da época que tinha entre suas características a velocidade de fraseado e o estilo bluesy de tocar; enfim, Miles chega com uma banda definida em 1957 gravando com ela dois grandes álbuns responsáveis por inserir o Sistema Modal de Russell ao Hard Bop da época: Milestones de 1958 (com o quinteto) e o maior de todos os seus álbuns, Kind of Blue ( com o sexteto) já pelo selo Columbia em 1959.


Thelonious Monk, por sua, vez seguia desde os tempos do Bebop como uma estranha figura que, por ser extremamente original na forma com que tocava e compunha, acabou por ficar no ostracismo durante muitos anos desde sua estréia na Blue Note, no final dos anos 40 para início dos anos 50. Aliás, Monk não era sempre esquecido. Vez ou outra, ele era lembrado como o mais original e estranho pianista da época, mas nunca como um dos "pais" do Bebop, já que seu estilo era por demais original e único. Assim, apartir da metade de 1957 Monk ressurge ao lançar o brilhante disco Brilliant Corners. Entre o final dos anos 50 e início dos anos 60 o estilo de Monk foi finalmente reconhecido pelos críticos e pela nova de jovens músicos: ele resurgiu como uma influência tão forte que foi capaz de colocar a maioria dos músicos criativos aos seus pés: John Coltrane seria um dos jovens músicos a aprender muito do grande sacerdotte; Steve Lacy, um músico que vinha desde a metade da década de 50 com idéias vanguardistas, se deleitou ao estilo do pianista gravando grandes discos com suas estranhas composições; Cecil Taylor, outro grande músico dotado de idéias vanguardistas, mostrou ser a principal inluência e evolução do estilo pianístico e composicional de Thelonious Monk. Conclusão: em 1964 Monk aparece na capa da Revista Times já consagrado como uma eterna e moderna influência para todas as gerações de pianistas e compositores que viriam depois. A década de 60 foi marcada por excelentes registros de Monk pela Columbia Records: entre eles destacam-se Monks Dream, (1963) e Underground (1968).


Por fim, Charles Mingus, foi o principal nome do contrabaixo vindo do cenário do Bebop. Além de suas colaborações com os beboppers nos anos 40, Mingus também colaborou com inúmeros músicos de big bands e até do West Coast: alguns dos mais célebres músicos com os quais colaborou foram Duke Ellington, Red Norvo, Barney Bigard, Stan Getz, Billy Taylor, Lionel Hampton dentre outros. Mingus surge no cenário do Hard Bop com seu primeiro disco enquanto leader em 1956 intitulado Pithecanthropus Erectus: o estilo abrangia o blues e a música afro, suas próprias idéias experimentalistas e o uso de requintados arranjos e complexas harmonias , tendo como maiores modelos e inspirações o grande Duke Ellington (na forma do arranjo) e o estranho Thelonious Monk (no estilo harmônico). Além disso, Mingus foi o responsável pela ascensão do contrabaixo dentro do Jazz Moderno, conferindo a este instrumento um discurso próprio e uma liderança só vista anteriormente com Oscar Pettiford nos anos 40. Assim, Mingus segue nos anos 60 com seus experimentos e suas aventuras jazzísticas elevando o jazz a um patamar de complexidade até hoje questionado e estudado por muitos músicos e estudiosos do jazz.

Anos 60 - John Coltrane, Ornette Coleman, Cecil Taylor, Eric Dolphy, Albert Ayler, Andrew Hill, Freddie Hubbard, Steve Lacy :Free-Jazz - Um novo dialecto no idioma jazzístico

Já em 1956 Cecil Taylor e Steve Lacy surgiram com várias idéias expansivas em torno do Jazz Moderno: Cecil e Lacy gravam o disco Jazz Advance adiantando no jazz algumas abordagens da Música Erudita Contemporânea como o uso da atonalidade, do experimentalismo e dos rítmos complexos, características que Lennie Tristano já havia abordado quase uma década antes. Mas é apartir de Ornette Coleman que nasce um novo dialecto do jazz em 1959. Aliás, Ornette já vinha desde o início dos anos 50 com um estilo muito peculiar que lhe tinha rendido inúmeras demissões: muitos músicos com quem Ornette tocara no início da carreira diziam que o seu som era horrível e seu fraseado era torto e disforme. Dexter Gordon chegou ao ponto de expulsá-lo uma certa vez, alegando que ele desafinava e não sabia os acordes. Assim, em 1959 Ornette Coleman segue seus próprios extintos e concepções formando um distinto quarteto com músicos que tinham as mesmas idéias que as suas: o contrabaixista era Charlie Haden, o trompetista era Don Cherry, os bateristas eram Billy Higgins e as vezes Ed Blackwell. Em 1960 estava firmado apartir do lançamento do seu disco intitulado Free Jazz o nascimento de um novo dialecto do jazz contrário aos padrões do Bebop da mesma forma que o mesmo foi contrário aos clichês do Swing no início dos anos 40. Assim, Ornette surge da noite para o dia como o grande do inovador do Jazz Moderno, libertando-o dos padrões do Bebop e Hard Bop da época. Muitos músicos vinham de todos os lados para ver seu quarteto tocar no famoso clube Five Spot: entre os visitantes mais célebres estava o famoso maestro americano Leonard Bersntein que certa vez o aconselhou a seguir com aquele propósito dizendo: "filho, muitos jogarão pedra hoje, mas amanhã tú serás eternizado". O seu estilo Free Jazz consistia em improvisar sem usar os acordes convencionais como base e libertar a marcacão rítmica dos padrões do Bebop, tentando assim estabelecer novas e inusitadas formas de diálogos entre os instrumentos com quase sempre uma improvisação simultânea. O atonalismo -- um conceito originado na música erudita ocidental (e previsto por Lennie Tristano) e a livre improvisação foram os principais elementos do chamado Free Jazz. Mas apesar disso, Ornette Coleman ainda prezava o blues e a sonoridade do jazz -- a princípio,  o que ele fez foi "libertar" o jazz dos manjados padrões rítmicos a harmônicos.

John Coltrane após alguns bons discos do HardBop, passa a trabalhar apartir dos anos 60 em busca de uma maior liberdade sonora. Ele queria um estilo próprio, poderoso e influente como o som de Sonny Rollins lhe parecera ser em meados dos anos 50. Assim, Trane se liberta totalmente do estilo bop e explora diversos tipos de músicas numa busca insensante pelo espiritualismo e pelas sonoridades místicas e inusitadas. Dá para traçar apartir de seu grande álbum Giant Steps e de sua colaboração no Kind of Blue (ambos de 1959) o fio evolutivo que levaria o músico a se libertar do fraseado Bop, criando, assim, seu próprio estilo livre e original como podemos ver em obras-primas como A Love Supreme, Ascension e Interstellar Space, gravado antes de sua morte em 1967. As três grandes influências de Coltrane em sua fase Free Jazz foram Albert Ayler que lhe instruiu como tocar o sax tenor mais livremente, Steve Lacy que lhe influenciou a usar o sax soprano apartir de 1960 e Pharoah Sanders que lhe influenciou buscar inspiração na música indiana e outras culturas orientais apartir de 1965.

Eric Dolphy, um músico descoberto pelo brasileiro Chico Hamilton, vinha fazendo carreira ao lado do grande Charles Mingus apartir do início da década de 60. Mas também alçou uma considerável (e curta) carreira solo com grandes discos que prezava o fraseado de Charlie Parker, as harmonias estranhas do dodecafonismo de Schoenberg e a liberdade rítmica de Ornette Coleman, com quem também já tinha colaborado em seus primeiros discos. Além disso, Eric Dolphy foi o grande respondável pela popularização do clarone (clarinete-baixo) dentro do Jazz Moderno, assim como Steve Lacy tinha popularizado o sax soprano anos antes. A principal obra-prima de Dolphy é o seu fantástico disco Out to Lunch de 1964, mesmo ano em que morreu, deixando, como seu companheiro Charles Mingus, uma obra de grande complexidade que ainda hoje frusta os grandes músicos e estudiosos do jazz.


Cecil Taylor e Steve Lacy seguiram comos os maiores e mais radicais músicos de Free Jazz. Cecil foi um dos responsáveis pelo sucesso de grandes músicos do cenário do free jazz sessentista: Andrew Cirille, Jimmy Lions, Alan Silva e muitos outros. Lacy por sua vez se impôs como o grande pioneiro e inovador do sax soprano e com idéias tão diversas que fugiu dos terreiros do Free Jazz, adentrando à outros tipos de arte moderna, dentre elas a artes plásticas. Enfim, tanto Cecil Taylor como Steve Lacy seriam fortemente rejeitados no cenário americano no início dos anos 60 por serem radicais ao extremo. No final da década de 60 esses dois grandes músicos foram atraídos para o vasto e proeminente cenário europeu.

Andrew Hill, um pianista já conhecido desde meados dos anos 50 também tinha incorporado as ídéias vanguardistas da década de 60. Porém seu peculiar estilo de composição e execução pianística caminhava no meio termo entre o Hard Bop e o Free Jazz, absorvendo ainda grandes influências da Música Erudita Contemporânea, já que seu professor de composição tinha sido o maestro e compositor Paul Hindemith, um dos maiores nomes da música erudita do século XX. Dentre os músicos que colaboraram com Andrew Hill estavam Joe Chambers, Richard Davis, Eric Dolphy, Bobby Hutcherson, Joe Henderson, Freddie Hubbard, Elvin Jones e posteriormente Woody Shaw e Tony Williams.


Por outro lado, o Hard Bop, agora tido como o mainstream do jazz, seguia com Miles Davis e seu quinteto composto por outros grandes jovens como o pianista Herbie Hancock, o baterista Tonny Willians, o contrabaixista Ron Carter e o saxofonista Wayne Shorter surgido do grande Art Blakey's Menssengers. Além de Miles, os trompetistas que mais faziam sucesso eram Donald Byrd que acabou incorporando a soul music e o funk no final dos anos 60 e Freddie Hubbard que agradava tanto o mainstream do Jazz Moderno como a Vanguarda, já que tinha partipado dos grandes discos Free Jazz de Ornette Coleman e Out To Lunch de Eric Dolphy.

Década de 70 - Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Keith Jarrett, Donald Byrd, Woody Shaw, Cecil Taylor, Anthony Braxton, Lester Bowie e Free Jazz Europeu ( Derek Bailey, Evan Parker, Chris McGregor, Peter Brötzmann, Han Bennink...) : Fusion/ Avant-Garde Europeu/ Post-Bop - A década da crise de indentidade.

A década de 70 é tida como o período em que o jazz atravessou uma grande crise de indentidade. Isto é, o grande advento do Rock na década de 60 e as diversas formas que o jazz tinha tomado acabou por espalhar e dividir os apreciadores que ficavam por demais confusos com tantas vertentes que, em sua maioria, tinha características interligadas mas na prática eram totalmente diferentes entre sí: de um lado o Post-Bop de Woody Shaw, um dos poucos músicos que se mantiveram lúcidos e fiéis às heranças do Jazz Moderno, se tornando, assim, a maior sensação do trompete da época; de outro lado o Free Jazz da escola de Chicago, mais propriamente representado pelas grandes AACM do saxofonista Anthony Braxton e Art Emsemble of Chicago do trompetista Lester Bowie; ainda tinha o Fusion de Miles Davis (ou Jazz-Rock) que ficou caracterizado pela integração da psicodelia, do rock e da música eletrônica ao Jazz.

Na Europa o free jazz começava a se projetar de forma mais radical apartir das grandes formações de Chris McGregor, um sul africano que passou a atuar na Inglaterra e Alemanha com seus grandes conjuntos,mais propriamente com sua famosa orquestra Brotherhood Of Breath, um grande conjunto de músicos africanos e europeus que dialogavam simultanemente através de uma nervosa e livre improvisação. Desse conjunto surgiria Evan Parker, um músico que viria a formar uma concepção de música e de articulação instrumental totalmente própria.
Além desses músicos outro grande e estranho saxofonista já havia marcado o cenário do Free Jazz Europeu: o alemão Peter Brötzmann, que se juntou a músicos como Han Bennink (fundador da Instant Composer Orchestra), Evan Parker e Willem Breuker para gravar, em 1968, o barulhento disco Machine Gun, se firmando como a maior promessa da música improvisada na Europa desde então. Enfim, o cenário do Free Jazz Europeu acabava por se tornar um grande celeiro de músicos que tinha como ponto de partida o Free Jazz americano, mas  optaram por radicalizar mais ainda através de experimentalismos e de suas próprias técnicas e concepções, baseadas nas influênias do vanguardismo europeu -- a música abstrata de Boulez, a música eletrocústica de Stockhausen, dentre outros elementos originados do serialismo. Os maiores exemplos de músicos da vanguarda européia que se distanciaram do jazz são, justamente, o saxofonista Evan Parker e o guitarrista Derek Bailey, ambos músicos que detinham concepções e técnicas próprias de tocar seus instrumentos, de modo que até hoje quase ninguem se atreve a enquadrar seus estilos dentro do conceito de Jazz.


O cenário da Livre Improvisação Européia se tornou, então, um circuito alternativo para os músicos do Free Jazz americano: alguns dos músicos a buscarem inspiração e trabalho no circuito europeu já no final da década de 60 foram Lester Bowie e Cecil Taylor que viajou à Europa com o seu célebre conjunto denominado Cecil Unit em 1969. Assim, não é nenhuma novidade quando se ouve ou se lê que os músicos de Free Jazz norte-americanos trocaram suas idéias experimentais com o distante mundo do Avant-Garde europeu e vive-versa.


Nos Estados Unidos, o maior reduto dos vanguardistas passou a ser Chicago, um reduto que ja tinha história em termos de músicos progressistas. Em Chicago evidenciaram-se grande músicos vanguardistas como Roscoe Mitchel, Muhal Richard Abrams, Leroy Jenkins e Anthony Braxton. Esse ultimo, aliás, um jovem entusiasta da matemática e da Música Erudita Contemporânea de Schoenberg, Xenakis, Stockhausen e John Cage, engajou-se uma insensante busca por novos caminhos que, em muitas vezes, não evidenciaram nenhum resultado claro de descoberta musical, mas que, em sua totalidade, trouxeram novas abordagens ao avant-garde. As composições de Braxton buscam a abolição da maioria os padrões do Jazz Moderno (o blues e as influencias afros, o improviso sobre acordes, as blue notes e o swing), procurando incorporar o uso da matemática (como Xenakis) ou  da música de computador (como Stockhausen). Braxton impressionaria ainda pelo uso de inusitados e enormes instrumentos, bem como através de estranhas formações que iam de apenas um instrumento solo ( como For Alto) até grandes emsembles, como a sua composição para um conjunto de Tubas e uma outra para duas orquestras.


O Art Emsemble of Chicago de Lester Bowie e a AACM de Braxton e Roscoe Mitchel procuravam partir do Free Jazz de Ornette Coleman mas com uma proposta totalmente nova que consistia em incorporar diversas sonoridades da música negra afro-americana e da world music, bem como diversos tipos de instrumentos e diversos músicas no conceito de livre improvisação. A maioria dessas aventuras geraram trabalhos invencionistas: uma grande torrente de experimentalismos não elaborados -- a premissa , afinal, era  tocar uma música espontânea, sem bases ou propósitos definidos. Esse núcleo, aliás, caminhou lado a lado com o novo cenário do free jazz europeu.

Mas apesar de todos esses movimentos de radicalização estarem em andamento, o fusion, encabeçado por Miles Davis, foi o grande protagonista da década de 70 em termos mercadológicos. Miles e seus discípulos, por suas vezes, seguiam eufóricos e totalmente distantes do tal como ele fora nas décadas de 50 e 60. Alguns músicos que fizeram sucesso nessa nova estética foram Jaco Pastorius, Wayne Shorter e Joe Zawinul com seu grupo Weather Report, Herbie Hancock com seu grupo Headhunters e Chick Corea com o Return to Forever dentre outros. Miles Davis, o músico respondável pelo sucesso de todos esses jovens do cenário da Fusion também seguia firme e forte como o grande pioneiro do Fusion e já como uma grande figura da Pop Music americana. Mas apesar de todos esses músicos seguirem o euforismo do mercado fonográfico, Keith Jarrett, um dos pianistas do Fusion inicial de Miles Davis, se volta para a lucidez para o piano acústico engajando-se numa incensante busca pela complexidade e, por consequência, pelo reconhecimento do público ao seu estilo inovador de abordar o intrumento.


Diante de tantas reminiscências e de tantos experimentalismos, a década de 70 foi considerada uma espécie de "década perdida" pelos mais puristas, haja vista que o jazz acústico havia minguado quase que totalmente do mercado, enquanto que a música pop e o rock tomou todo o espaço. Ao lado desse fato, tinha outro que era os experimentalistas querendo se apropriar do termo "jazz" para etiquetar suas obras. No entanto, o próprio Miles Davis, que até fora um experimentalista nos primeiros anos do jazz fusion,  chegara a decretar uma suposta "morte do jazz", aderindo à música pop. Porém nos anos 80 aconteceria, através do trompetista Wynton Marsalis, um grande fenômeno chamado Renascimento do Jazz. Wynton Marsalis resgatou o jazz acústico -- tendo como base o bebop, hard bop e post-bop -- partindo de onde Miles tinha parado em 1968, demonizando não só o fusion e o pop, mas também a chamada "livre improvisação" dos experimentalistas.